alissa volchkova 將瓷器外觀利用液體的狀態
讓設計很像蛋糕上的奶油一般
而且將這些作品堆疊起來就像個漸層的作品一樣
超級詩情畫意阿，也各有不同的風貌呈現
分享給你們
油漆桶蓋子也能組成街頭藝術
小編覺得可以將一些原本要丟棄的東西
轉變成為創作藝術的材料之一是一件很棒的事
不僅是給予這些丟棄物新靈魂
也是舊物利用，並且有時還會創造更有獨特的作品
Florida native DJ Neff 就利用原本要丟棄的油漆桶蓋子
色彩繽紛的街頭藝術也為生活增添不少溫度
分享給你們 ????
福利社【待解的灰 – 詹詠幀個展】
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若去撿拾都市中位移的日子，灰色是生活最常見到的顏色：水泥建築與大廈、被柏油取代的草皮或泥沙、煙霧或粉塵環繞的空氣、招牌並肩閃爍的光暈、還有所有不是特別好也不是特別壞的那些抽象妥協…，灰色的馬路延展於大街小巷，在事件與事件的中間被碰觸，串連生活與生活的空隙，成為人們在都市內移動所遇見的第一道介質。我以道路作為象徵、反映大眾生活的媒介，將路面作為模具，翻製、採集人類所活動的痕跡與破損，試圖從日常所見的交通關係中尋找對應社會中其他實際存在，卻又不輕易被理解或梳理的落差，以物的模具討論也處於模具之中的人們，所被成就集體類似的悲傷或喜悅，一如前面那個常見的，夾雜在黑與白之間的尺幅廣大的待解的灰。
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時間｜2016-06-04 – 2016-06-30
地點｜福利社 （ 台北市中山區新生北路三段82號B1 ）
活動詳情｜相關網站
朝代畫廊【煙硝日常：賴岳宏個展】
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炎炎夏日，朝代畫廊將在2016年7月2日為您熱情推出《煙硝日常：賴岳宏個展》開幕茶會，此次將展出新銳藝術家賴岳宏的《煙硝日常》系列最新作品，展覽將持續至2016年7月30日。對於生活觀察相當細微的賴岳宏，以他熟稔的油畫技法，將現今世代對於社會現象的觀點記錄下來，並以戲劇化的方式表現在他的油畫作品之中，讓我們得以在平凡的日常生活裡，用力吸一口那種誇張卻又直擊人心的煙硝氣息，藉以提醒自己這個世界的真實。
當我們看見賴岳宏的作品時，不由得會想起某種令人緊張的新聞或電影情節：正在噴發霧霾的火山、掠過天空的戰鬥機、不明的大型未知墜落物、或是扔擲汽油彈的抗議民眾等，倘若觀者身在其中，危機感所激起的腎上腺素似乎會催促著我們做出某種快速判斷；另一方面，藝術家在《煙硝日常》系列中用了許多略微曖昧暗沉的色調，加上畫面中的背景往往宏大到令人略覺不安，主角（物件）在其中卻又顯得不成比例的渺小，種種「似乎即將發生什麼事情」的畫面安排，都在試圖引導出觀者不穩定的心理。然而，身處媒體傳播快速發達的年代裡，在家中電視機或電腦前舒適坐著的我們，透過大量聲音畫面刺激著感知，或許對於螢幕上所呈現的訊息早已麻痺無勁。
乍看之下，賴岳宏的作品似乎帶有強烈敘事性的意味，這種敘事性很常出現在現今的台灣社會──或者是傳遞著相當比例訊息的媒體，它們常常利用十分煽動的話語與衝擊性的畫面，吸引著人們的目光視線；然而藝術家想要表達的並不只是一個單純事件，而是一種現象觀察。賴岳宏認為身為台灣人是幸福的，我們享受著新聞自由的權利，使媒體得以扮演第四權的角色，也因而許多事件被攤開於陽光之下，供人評斷。然而身為一種權力體，媒體是否能真實傳達真相？如同德國社會學家尼克拉斯魯曼（Niklas Luhmann）說的：「怎麼可能把有關世界和社會的消息看似真實的資訊來接受，一旦我們了解它們是如何被產製出來的？」而這也正是賴岳宏所試圖探究的。
賴岳宏認為，媒體的自由言論讓人們獲得了知曉更多的權利，而他同時也因感知到資訊的操弄有多麼容易，了解到在權力和利益的分配下，許多（對人民而言）重要卻（對權位者而言）渺小的存在就這樣被犧牲的無力感。藝術家以類科幻片的場景，表達出無奈的憤怒與背後所隱藏的巨大無形力量。明知道即將隨之而來的是場災難，但卻無能為力，這正是我們的日常。
賴岳宏生於1990年，國立高雄師範大學美術研究所碩士，重要展覽有《台灣美術新貌獎》（港區藝術中心，台中）、《指尖上的風景：賴岳宏個展》（帕莎蒂娜烘焙坊，高雄）、《虛擬表徵：賴岳宏個展》（La Beauty，高雄）、《台北國際藝術博覽會》（世貿一館，台北）、《鏡微顯》（新浜碼頭藝術空間，高雄），以及《About You&Me:藝術家維持著煩惱─兩岸青年藝術家交流展》（116藝術中心，高雄）等。
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時間｜2016.07.02~07.30
地點｜朝代畫廊1F＆B1 （ 台北市大安區樂利路41號）
活動詳情｜相關網站
紅野畫廊【遺落幻境‧八德路四段的窗景詩】
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漫步在八德路四段的巷弄中，似是踏進一個不屬於城市風景的幻象裡，窄小的巷道風景，緊密的建築空隙，仿若日益壯大的城市中遺落的一角，自顧自地活出繁忙市容中的另一種風貌。吳芊頤在如此幻境般的街道上，以窗花編織故事，少了高大建案的制式外觀，巷弄窗景便是每一個關於「家」的故事起點，吳芊頤運用紙膠帶裁剪拼貼與平面繪畫，重新詮釋此矛盾的景象，她解構窗內景觀，再以多層次手法堆疊出簡化後的色彩，將當代觀點注入傳統「鐵窗花」內，為台灣人的共同記憶增添另一種觀看形式。
吳芊頤，1987年生於台中，畢業於台南藝術大學造型研究所，曾獲得「2012新北市創作新人獎」、「2015台灣美術新貌獎第一名」等獎項，並受邀參與國內外各項重要展覽及藝博會。
吳芊頤擅長拼貼藝術與複合媒材裝置的作品，其紙膠創作從2011年的「5100微型百貨」開始，啟動了關於圖像、色彩和結構的探索，她在微型百貨中，以紙膠拼貼出數百種的圖像商標，用扁平化的視覺樣貌呈現出時代的記憶，並且結合了網路購物的觀念，將一系列商標放上購物網站，藉此測試現代人的購物習慣及圖像辨識能力。
近期，吳芊頤則展開一連串「窗景系列」的創作。傳統窗花一直是台灣人最具家鄉味的記憶之一，不似今日大量複製的制式不銹鋼窗，舊時代的鐵窗花都是師傅量身手工訂製而來，多變的圖案樣式也是其吸睛之處，而老窗花的獨特風味促使吳芊頤重新以自身觀點閱讀台灣的鐵窗風景，藉由實地觀察，創作出各個地域性的窗景特色，藝術家對焦於窗戶與鐵窗甚至和外牆之間的親暱關係，從色塊出發重製視覺符號，近看或遠觀皆能讀取不同的創作語言，吳芊頤以這樣的視覺魔法與觀者互動，誘發出專屬於台灣的台式鄉愁。
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時間｜2016-06-18 – 2016-07-17 / 週二 ~ 週日 AM10:00~PM7:00
地點｜紅野畫廊 （ 臺北市中山區松江路164巷11號 ）
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雲清藝術中心【目光的詩學 Poetic sight】
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目光的詩學，
當一切的訊息量簡化至最低限，
彷彿詩詞歌賦一般需要運用最大的想像來構築意境，
而這玄妙的經驗卻非同而化一的個人式的浮想，
在於揉入當中的觀看主體之身體 (回憶/夢境/慾望/感官經驗)來完成；
最初進入眼簾目光的，都只是一個開端。
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藝術家 吳修銘 研究所時期曾參與高師大黃孫權教授帶領的「複島團隊」，投入田野、空間與藝術生產，也因此他的創作擁有深刻與地方(site)關聯的特質，透過聲音、影像與觀眾行為互動疊合出地域與時間的故事。
吳修銘專注於聲音、地域、影像創作，將展出作品《裏海》，作品蒐錄兩位原住民長者以母語口述關於部落海祭的故事，以及台東海岸線上的影像與聲音，透過數位技術隨機構成特殊的畫面與聲響，非固定、有機變化的成影彷彿照映出觀海者的視野與種種情緒感知，遙望無垠的彼端，同時直底心裡的他方。
吳修銘同時創作電子音樂，作品片段 : http://shycacti.bandcamp.com/track/alight
音樂作品靈感來自創作現場周邊的環境聲響（例如:專輯名稱「Be Quiet Please」就是歸功於高雄總有修不完的馬路），以及廢棄物敲擊的碎拍與電子和聲。錄製聲響、安排節奏、串聯起拍點，聽在耳裡腦海中畫面浮現。
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藝術家陳呈軒創作圍繞著「平面化」和「真實」兩個概念；他認為「平面化」是引導我們看進物體本質的途徑。 在藝術家眼中，穹頂的天空是一張平整的藍色畫布，球體的月亮是夜空中一塊扁平的圓面。這些經驗讓呈軒對距離與立體感產生興趣，也因此在創作中著墨許多立體／平面模糊和可越特質，以減法改變觀看的一貫方式，探討立體物和和繪畫的本質。
展出裝置作品《無題》就是一個例子；當觀眾站在特定距離從牆板上的視窗口看過去，背後懸空、傾斜錯落的單色板遂即在眼中成平整均勻的「畫面」。藝術家企圖提問「當輪廓被抽離，只觀看局部的時候，我們是否看到立體物的另一個真實的面貌？」 藝術家嘗試呈現“純真的眼睛”所看到的視覺經驗，透過作品的特殊結構設計，牽引觀眾視界，喚起人們重新意識眼前的視覺向量空間。
兩位新銳藝術家分別帶來關於環境聲音／影像創作，與探究觀看真實性的裝置作品。解構/重組/低限是兩位藝術家的作品特質而觀者的目光在相對簡單的元素中 有很多的想像空間即如詩句，以減法的方式，精煉組織語詞的意境。
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時間｜2016-06-15 – 2016-06-24
地點｜雲清藝術中心 （ 台北市士林區德行西路33號8樓 ）
活動詳情｜相關網站
這些刺繡的動物也太真實了吧
同時為插畫家、設計師、以及攝影師的Emillie Ferris
利用刺繡客製化每個顧客的需求
一針一線的勾勒整個輪廓
每個客製化的商品價格約 £248 其實滿不便宜的 ????
不過整個作品的質感以及細膩度是非常有品質的
喜歡的人可以參考看看囉
Emillie Ferris: Website | Facebook | Instagram | Etsy
via [Adventures of Yoo, My Modern Met Selects]
國立歷史博物館【鼓鼓生風 – 屠國威玉作藝術展】
展覽介紹 ►
國立歷史博物館向來致力舉辦具有新時代風格的雕刻藝術展，為推介國內傑出藝術家及其創作的藝術精神，將舉辦「鼓鼓生風─屠國威玉作藝術展」，展出藝術家屠國威創作的百件玉作精華。屠國威以「鼓」為主題，詮釋不同形式、內涵之「鼓」的意象，題為 「鼓鼓生風」，取自「鼓」飽滿、鼓漲的形態，表現其內蘊之圓融，並結合鼓動時陣陣的表現張力，正契合「以鼓動之」的生風之意，詮釋有别於傳統與現代的殊勝意涵於玉作中。
勇於突破傳統、現代、當代雕塑藝術，屠國威的作品一向獨秀。他自幼已嶄露藝術上的才華，1967年進入國立臺灣藝術專科學校首屆雕塑科求學，師從李梅樹、丘雲等大師學習，此外，他對非學院派雕刻技藝也另求體悟。在淬鍊的學習過程中，他開始嘗試將藝術的最終基礎思維，傾注在雕塑藝術的表現上。
1971年經星雲大師的引領，進行佛光山淨土窖的總設計工作，爾後，為追求更多的自我突破，他負笈義大利進入羅馬美術學院深造，在當代經典大師們亦師亦友的指導下，接受雕塑創作的嚴格訓練，開創出獨特的雕塑生命與風格，1988年獲頒義大利佛羅倫斯繆斯院士之榮銜。此一殊榮，不但使屠國威投入雕塑創作之努力備受肯定，也在國際雕塑領域上，更創新猷。
屠國威不忘初衷，致力推動國內雕塑文化為志業，毅然返鄉服務。他積極參與在地指標性的藝術創作活動，1991年為高雄市立美術館創作永久性戶外雕塑「坐標」展，1993年起以戶外大型雕塑組陣式「角色的角度」在臺北國父紀念館、臺中國立科學博物館等地個展。1994年為臺中國立臺灣美術館創作戶外雕塑「居位」永久展出，這幾件壯觀的現代雕塑，奠定了屠國威在臺灣雕塑界的聲望。爾後，受邀任教國立臺南藝術大學造形藝術研究所。教職退休後，屠國威更發揮其創作熱情，不斷地於海內外發表新作，蜚聲國際。
本次展覽自2016年6月17日起至9月18日止在國立歷史博物館二樓精品長廊展出，並於6月17日(星期五)下午2時30分舉行開幕典禮暨記者會，希望藉由舉辦「鼓鼓生風─屠國威玉作藝術展」，引發國人的共鳴，體驗全新的藝境。
展覽資訊 ►
時間｜2016-06-17 – 2016-09-18 / 10:00-18:00
地點｜國立歷史博物館 （ 臺北市中正區南海路49號 ）
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台北當代藝術館【行空程式 – 葉方個展】
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葉方，祖籍浙江，生於臺灣。濃厚的藝術氣息來自父母親的薰陶，在她記憶中，幼年求學時期，夜裡父親總陪著她一張張地臨摹畫冊上的山水花鳥，而不忍催促她上床。於此氛圍下，她奠定了日後對繪畫、書法及音樂的喜愛。臺灣藝術大學美術系畢業後，於1992年移居溫哥華，期間成立卷云畫室，創作不斷；現居臺北，專事藝術創作，一步一腳印地拓展她的藝術人生。
本次展覽是葉方於台北當代藝術館首次個展，也是她自2013年北京今日美術館個展後，另一階段性創作梳理。展覽概念來自葉方不斷蛻變、沉澱的生命旅程，將自我情感寄託自然的抒情傳達。「行空」指涉一種冥想、一種天馬行空的想像，生活在這多元藝術的時代氛圍裡，藝術家將個人生命的流變與感知，構築出一層層可以相互融合、堆疊的意象，展覽名稱【行空程式】即是由此而來。
為了呼應MOCA Studio實驗展場的空間特性，葉方此次做了許多創作上的新嘗試和不同媒介的轉換，試圖將天地萬物濃縮於自我內化的情境裡。本次展出作品，除了她一貫創作的油畫外，還包含錄像、影像及微型音像裝置。首先與觀眾遇合是長廊展出的〈長河的禮讚〉，長達10公尺的超寬景投影，橫向流動的抽象書法搭配前仆後繼的海浪，像敘說著天地之間的潮起潮落、人類生命的起承轉折。102展間《黑盒子裡的詠歎調》是一系列共八件的微型音像裝置，將不同的風景時光，經由微小視窗呈現於觀者眼前。〈賦格〉與〈回憶的密碼（自畫像）〉，既是藝術家對人生歷程的觀照，也是自我生命軌跡的體悟。103展間，藉由牡丹、蘭、竹等一系列平面畫作和展場中的影像複合裝置、以及跨界的音像作品，進行了不同語境的串聯與對話，希望營造耐人尋味的視聽經驗。
除了繪畫，音樂也是葉方釋放壓力、回視自己的一種表達方式，雖未受過正統訓練，卻能自由天成地經常彈唱，本次展出作品除伴隨著她即興的鋼琴演奏及聲樂吟唱外，也特邀策展人黃海鳴跨刀為其作品〈輕舟已過萬重山〉編曲；另外，投影裝置〈古往今來的生命容顏〉也融入了許博允經典曲目〈天元〉的音效。如此多樣元素的應用，意欲呈現的正是葉方所說的：「在起伏多變的世間，回歸與再造之間，咀嚼一種永恆不滅的定律！」
展覽資訊 ►
時間｜2016-06-18 – 2016-07-17
地點｜台北當代藝術館（ 台北市大同區103長安西路39號 ）
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