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策展人：鄭辰穎

大約在九年前，臺灣當代藝術曾被定義為無力、無奈的「頓挫現象」，暗喻一種蜷縮內裡衰弱無力的表徵。

近年此狀態似乎有些微轉變，不論與社會的連結性高低與否，當代藝術家開始以不同藝術形式參與社會議題，方式大致有兩種值得注意，一如藝術行動計劃，藉由活動的發起與民眾產生連結，概念即在與民眾的互動中滋芽，藝術家以此抒發自我與揭露某些現實問題。作品不著重於實體的呈顯，而是在「概念式」的思想傳達中持續發酵、延展，甚至轉化。

其次，另一種為「窺探式」的連結關係，藝術家並非隱遁或蜷曲的逃避現實，而是從關注自我的探討中，逐步向外擴展社會關係再轉而內省或反思，並隱晦的傳達文化或環境意識等議題。

本展將以此概念來探討展出藝術家崔永嬿、黃可維、李曜竹與趙懿琳作品中隱藏的「自我」與「它/他/她/牠們」的關係，透過不同的藝術語彙來探討自身與社會的曖昧連結。因此，以「窸窣」為名闡述藝術家將對於社會的感受轉喻為與自身相映之符號，透過輕柔、細微地敘說之姿來表達自我，亦藉由不同的觀看角度反思社會價值觀，以此詮釋他們所承載的意念。

崔永嬿的雕塑作品，馬戲角色透過不同的特技呈現完美的姿態，然而與此違和的是他們難以隱藏的圓潤短胖身材，這似乎是一種自相矛盾的缺陷，也淪為一種不專業的嬉戲。角色本身即為一種表象，可以代表著任何人、環境、社會；我們往往忽略主體的缺陷或渴望，甚至遺忘了內心的自己。崔永嬿試圖反映桃花源底下對於現實的逃避與盲目，嘲諷著失去自我的世界，而馬戲角色正是芸芸眾生的百態。

黃可維，其作品透過畫筆流動的線條、色彩的層次堆疊、恣意的筆觸表現其奔放自由的意志，在其主題、畫面與用色間，蔓延著深沉內斂的死亡氣息。對黃可維來說，「鳥類」如同繪畫的軀殼，其試圖透過色彩、場域關係與符號來重新詮釋繪畫的方式，並在景深的遠近中形塑繪畫語言與質地的不同，打破觀者觀看的習慣，更突破自身所看到的景，強調其主觀意念，將寫實的景內化為更真實的、更本質的探討。

李曜竹於本展展出作品為〈沉默的螺旋〉，藝術家試想「當沉默是一種能量，朝著某個固定方向聚集與離散，帶來的還會是沉默嗎？」當沉默成為一種集體行為，沉默便不再只是沉默，它凝聚的是一股能量－深沉、有意識的，甚至是一種軟性的訴求，並逐漸地產生歧異或共鳴。李曜竹的創作多以「衝突感」去反思與訴說看似文明的生活，實則隱藏著野蠻的破壞力。

趙懿琳的作品有兩項特質，一為運用媒材「墨」的「不穩定」特質來呈現內心的恣意。另一為將人、情、事、物的交織，以「水」之流動意象作為其詮釋「自由、透映」之脈絡，試圖於自在和諧的表象中相映其虛實、存與非存的主體價值，打破形象的藩籬，建構了其自身與環境情感的緊密、堆疊關係。

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時間｜2016-06-10 – 2016-07-31

地點｜大美無言藝術空間 （ 台中市西屯區市政路567號 ）

活動詳情｜相關網站

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就在藝術空間六月份展覽很榮幸邀請到日本知名藝術家——毛利悠子(Yuko Mohri)，這是她首次於台灣舉辦個展，名為「沒有馬戲的馬戲團」(Circus without Circus)。

毛利悠子1980年生於日本神奈川縣，目前生活、工作於東京，她的創作經常透過蒐集城市中日常生活的物件以及各種機械零件，重新改造組合成爲一個新的集合體，傳達出一種無形的能量，例如磁，重力，光線和溫度。近期表現相當活躍，去年甫獲第二屆Nissan藝術獎首獎，注目度極高在國際藝文媒體、策展人間激起討論度，受邀於國際各大雙年展、美術館展出，包括2016印度科欽雙年展(Kochi-Muziris Biennale)、東京森美術館(Mori Museum)「Roppongi Crossing 2016」。2016台北市立美術館聯展「物理」以及國立台灣美術館「再生運動-數位時代的科技反思」也曾展出過她的作品。

首次見到她的作品，觀眾可能會誤以為走進一個小型遊戲場，只見由無數個簡單的打擊樂器、發聲器材、甚至是生活物件彼此串接在一起，形成一個自動化的無人樂隊，從地上延伸到天花板蔓延了整個空間，各處隨機擊發的聲響引人好奇駐足。藝術家毛利悠子熱衷製造有機的生態系統意象，她的機械裝置看似零散卻是精密設計過後的成果形成極具魅力的場景，探討著如何使自然與非自然有新關係的可能。

展覽命名為「沒有馬戲的馬戲團」透露出毛利悠子本次的創作核心，靈感來自於約翰・凱吉(John Cage)於1967年創作的《音樂家們》(Musicircus)，他邀請了不同類型的音樂家齊聚一堂同時演奏，包括鋼琴、聲樂、電子音樂、舞蹈等等，儘管位置經過安排規劃卻呈現一個漫無目的演出狀態。毛利悠子的展覽往往一次只展出一件作品，但在「沒有馬戲的馬戲團」中，藝術家重新審視自己作品，將於畫廊空間中集合數件過去不同的裝置，串聯組構成一個馬戲團，突破以往的創作形式並且嘗試讓他們變得更加精練，本次於就在藝術空間的展出對毛利悠子來說將是一個重要的挑戰及轉折點。

毛利悠子台灣首次個展將於6月11日開始至7月17日。開幕活動為6月11日星期六下午4點，藝術家會出席現場。當日下午3點為藝術家座談會，本次邀請到了知名國際策展人、前東京藝博總監也是目前藝術北京的總監金島隆弘(Takahiro Kaneshima)，將與藝術家毛利悠子進行對談，就在藝術空間敬邀各位一同共襄盛舉。

關於毛利悠子

1980年出生於日本神奈川，2006年畢業於東京藝術大學跨媒體藝術系。近期重要個展：「2016毛利悠子個展，Jane Lombard Gallery，美國紐約(預計)」、「2015 Pleated Image, waitingroom，日本東京」、「2015 Observation of the Senses, Asahi Art Square，日本東京」、「2012 馬戲團, 東京都現代美術館，日本東京」。重要聯展：「2016印度科欽雙年展(預計)」、「2016 Roppongi Crossing: My Body, Your Voice, 森美術館，日本東京」、「2016 物理，台北市立美術館，台灣台北」、「2014橫濱三年展，日本橫濱」、「2013 Media Art/Kitchen，印尼國家藝廊，印尼雅加達」、「2012 X_Sound，白南準藝術中心，韓國龍仁」。獲獎：2015年第二屆Nissan藝術獎首獎(Nissan art Award)、2015年捷豹亞洲科技藝術獎(Jaguar Asia Tech Art Prize)、2014年亞洲文化協會(ACC)個人獎。

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時間｜2016-06-11 – 2016-06-17

地點｜就在藝術空間（ 台北市大安區信義路三段147巷45弄2號 ）

活動詳情｜相關網站

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陶瓷是人類文明悠久的藝術形式，是一種來自大自然，最原始的媒材。楚戈、鄭善禧、林振龍，三位台灣藝術家，因為陶瓷的創作，有了共通的表現語言。

楚戈的藝術創作總是無邊無際，將美學涵養注入這些充滿天真爛漫的想像，如同北宋文豪蘇軾一般，行於所當行，而止於不可不止。不論瓷板畫裡流暢優美的線條，或是陶偶裡的渾厚自然，都是這位藝術家最佳寫照。

年逾八旬的鄭善禧，永遠都是畫壇裡的老頑童。不曾稍減的赤子之心，放大了生命中的每一個感受，也保持了眼中事物的新鮮感，讓他的作品裡總是帶著俏皮的嬉戲趣味。

瓷揚窯主人林振龍，以｢揚瓷｣為己志，從空間的分布、釉料的多寡到抽象形體的探索，不斷地嘗試陶瓷的可能性。大地系列中，光滑溫潤的釉面，與裂開張揚的土地意象形成衝突美感，是藝術家在媒材運用上的大膽突破；空間系列則考驗著藝術家的技巧與媒材掌握度，在林振龍的巧手下緊密結合，形成了完美的結構。

本次展覽由瓷揚窯提供收藏多年的陶瓷創作精品，為同好們展示陶瓷藝術之美。

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時間｜2016 . 06.11 – 07.10  / 11:00 – 19:30

地點｜名山藝術台北館 / 台北市仁愛路二段48-6號 （捷運東門站二號出口，步行約五分鐘）

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植物做為創作者的觀察物象之一，以欣賞其豐富多變的生命狀態為創作源頭，將觀察所帶來之感觸，內化至創作中，觀察日常所見的植株及自然元素為起始點，包含常見食用的蔬果與香草、中藥材、插花作品，天然的或者人造的，那是最真實而貼近生活的經驗。

水墨為主要創作媒材，從〈織夢〉、〈療心草〉系列開始的創作主題便圍繞著「夢境、髮絲、自然」使用工筆技法處理細緻筆觸與線條，著迷於使用線條勾勒各種繁瑣的細節，展現女性特有的細膩思緒，以線條變化作為藝術家抒發內心情感的表現，企圖嘗試各種線條變化構成畫面之藝術及造型性，利用淡雅的色彩發揮出水墨的典雅特性，契合自身追求唯美浪漫、單純，同時帶點強迫症與偏執的完美主義者的個人特質。

「浮沉花落」一作嘗試延伸過去系列的意象，從傳統水墨的基礎技法為出發點，試圖用柔性的筆墨訴說自我生命樣貌，將處於現代文化社會的年輕人各種狀態與植物生長的狀態做連結，嘗試著將更多元的生命狀態呈現於其中，「浮沉」，植物在環境中載浮載沉，嘗試著陸、入水、浮動於風中，穿透或攀附於枝幹、寄生於山石，自由自在或是受困沉溺，像極了人們以各自的生命特質去適應環境，以求得身心之平衡狀態，建立專屬於自身的生活模式，「花落」意指植物也在適合的季節各自選擇蛻變、綻放或凋零，不僅止於華美的樣貌，隨著自然時序流轉而改變生命狀態，花開花落如同人生起起伏伏，在世界中呈現生命的各種動人片刻。

張佳綺的作品藉由植物有機造型為主要表現，投射出內心關於人類生活樣貌與自然植物之聯想，將這些自然元素的圖像並置交錯，也象徵著現代社會文化多元而變異的面貌，並透過細緻絢麗的效果展現生命力。

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時間｜2016-06-04 – 2016-07-02

地點｜亞米藝術  （ 台中市向上路一段79巷66弄8號 ）

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張義雄的人生經歷是傳奇性的旅程，由各種意想之外的際遇，譜成一場場華麗冒險。他本是熱愛繪畫的嘉義旺族之子，從年少父親過世後毅然開始了自立生活。之後輾轉於日本留學、返台教畫，舉家遷居日本的歷程。面對飄泊不定的生活，畫作中濃重的暗色調、黑色粗線條，成為反映心境的語彙。但現實壓力並沒有減低他對藝術的熱情，相反地，在張義雄畫筆下，種種波折最終如他所喜愛的魔術表演般，抬手之間，幻化為飛鳥與花朵，使觀者驚嘆。

70年代是張義雄在日本生活趨於穩定的時期，東京與臺灣的畫展邀約接連而來，畫作也隨之開展出另一番明亮色調，這種用色明亮的新風格在前往法國之後又更為顯著。張義雄在1980年如願移居嚮往已久的巴黎，此時他已67歲了，但巴黎自由又充滿藝術氣息的氛圍，將他的創作成就帶入新的高峰。

張義雄移居巴黎之後，靜物畫時常採用白色及各種明度高的色彩，這些作品連續於法國春季沙龍、秋季沙龍嶄露頭角。對比年輕時的作品，張義雄此時畫作更加舒緩放鬆，如同他自身的心境。街景系列，則取材巴黎、蒙馬特的街道，他往往並不選擇有名的觀光景點，而是以自己熟悉的景物入畫，因而使畫作帶有藝術家自身的溫度。人物畫則以身邊的小人物為主，特別是神態各異的小丑，彷彿是畫家自己的寫照。在高齡90歲時，張義雄結束了旅法20多年的生活，返回日本居住。現年102歲的他，歷經了人生的風雨晴光，對生命有一番豁達自適的感悟。

此次心晴美術館主辦「義想巴黎 張義雄個展」，特別選擇畫家定居巴黎之後的作品為主軸，就是為了將張義雄最美好歲月的創作呈現在觀眾眼前。不論是法國鄉間小鎮、聖心教堂遠景，甚至是威尼斯水鄉波光，都是張義雄足跡與心緒的紀錄。心晴美術館希望以畫作中異國情懷景色風光，以及充滿溫情的人與物，為您串聯出一段屬於六月天的似錦詩篇。

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時間｜2016-06-11 – 2016-07-31

地點｜心晴美術館  （ 台北市大安路安和路一段78巷4號 ）

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